La Navidad es paz, amor, nostalgia, ilusión y esperanza. La Navidad es ternura, generosidad, perdón y reconciliación. La Navidad es solidaridad, es una motivación para ayudar a personas necesitadas de cariño, de afecto, de luchar por vivir. La Navidad es tiempo para tratar de ser mejores.
A tí que que estás leyendo estas líneas: Feliz Navidad.
Honraré la Navidad en mi corazón y procuraré conservarla durante todo el año
Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Estudió música con su padre, Guiovanni Battista Vivaldi, barbero de profesión a la vez que brillante violinista. Antonio fue primógénito de nueve herman@s y, como era casi preceptivo en aquella época, fue destinado a ingresar en las órdenes religiosas. Se ordenó sacerdote en 1703 aunque hubo de abandonar los hábitos poco después por una grave afección asmática.
En la misma fecha ingresó como profesor de violín y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietà, un conservatorio para jóvenes huérfanas.
Vivaldi no tardó en ganarse una sólida reputación como violinista. Su cabellera roja y su modo de tocar el violín, con fogosidad y alarde de virtuosismo seducían a los conocedores y mecenas venecianos y extranjeros.
Trece años después fue nombrado maestro de conciertos y director de coros. A comienzos de la década de 1710 era ya famoso como compositor en Vencia y en las principales plazas musicales europeas. En 1713 estrenó su primera ópera, Ottone in villa en Vicenza. Desde este año, además de sus labores al frente del conservatorio de la Pietà, se dedicó a desarrollar una carrera como compositor y empresario de óperas. En 1716 estrenó su primer gran oratorio dramático: Juditha trimphans, único de los tres que compuso que ha sobrevivido.
En 1726 conoció a la soprano Anna Giraud o Girò, quien interpretaba un papel en una de sus óperas, Farnace, quien le acompañó en sus numerosos viajes por Europa y con quien entabló una relación de amistad y colaboración musical que duraría hasta el final de la vida del músico.
Entre 1725 y 1728 estrenó ocho óperas en Venecia y Florencia. En 1725 publicó en Amsterdam Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, monumental recopilación de 12 conciertos, en el que se incluyen Las cuatro estaciones. En Praga, ciudad que albergaba una de las cortes más melómanas de la época, Vivaldi disponía de su propia compañía estable de ópera.
Su fama ya era internacional. En 1740, después de renunciar a su cargo en el Ospedale, emprendió viaje a Viena, posiblemente debido a la grave crisis económica que atravesaba Venecia. En realidad, Vivaldi ya había hecho varios intentos , todos fallidos, para conseguir una plaza estable y bien remunerada en una de las grandes capitales musicales europeas, que le permitiera abandonar la vida agitada y el agotador ritmo de empresario musical.
En Viena murió en circunstancias inciertas al año siguiente, el 26 o 27 de julio. Al fallecer, su hacienda era tan poca que hubo de ser enterrado en el llamado "cementerio de los pobres" de la ciudad.
Antonio Vivaldi fue olvidado inmediatamente por sus tornadizos contemporáneos y hubo que esperar a lo que se ha llamado Vivaldi renaissance, hacia la década de 1950 (casi dos siglos), para que la obra de este gran creador emergiera con fuerza. Este resurgir se debió principalmente al gran interés despertado en los estudiosos por el legado de Johan Sebastian Bach. Este grandísimo compositor estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones, en su mayor parte para clavecín.
El Ospedale della Pietà El Hospital de la Piedad acogía oficalmente a huérfanas. En realidad el Ospedale era a la vez orfanato y conservatorio de música, uno de los más afamados de la ciudad. La reputación del Ospedale era tal que salir de allí con un título de graduación equivalía para estas chicas a la obtención de una dote, lo que les permitía conseguier un marido o ingresar en la vida conventual. Un dato revelador de la fama que tuvo Vivaldi como músico y pedagogo es que durante su mandato como maestro de música de este orfanato, desde 1703, las familias aristocráticas de la ciudad adquieron la costumbre de enviar allí a sus hijas legítimas.
El oratorio de la Pietà, donde Vivaldi impartía sus lecciones y organizaba los conciertos de sus pupilas, era un espacio más bien reducido. Cuando Vivaldi comenzó a dar clases, el edificio ya amenazaba ruina, y en 1730 se inició un largo proceso que concluiría terinta años depués con la creación de la nueva iglesia, diseñada por Masssari. Los espectáculos musicales eran extraordinariamente populares y atraían a todas las clases sociales.
El trabajo de Vivaldi en el Ospedale consistía en impartir clases de interpretación musical a las pupilas,, componer dos conciertos mensuales para la orquesta de la iglesia y organizar los conciertos abiertos al público, que se programaban los sábados, domingos y festivos. El número de alumnas y la variedad de instrumentos contemplados en el plan de estudios explican por sí solos la riqueaza instrumental de la obra vivaldiana. El músico escribió incluso para instrumentos como la mandolina y el laúd o la viola d'amore, que habían dejado de formar parte del repertorio tradicional en el siglo xviii. Debida enteramente al genio musical de Vivaldi, en cambio, la innovación armónica que exhiben las piezas instruentales también refleja el alto nivel de las intérpretes para las que fueron escritas.
Anna Giraud Una de las estudiantes de Vivaldi, Anna Giraud, fue una cantante de la que sse decía que tenía gusto y sensibilidad musical pero que no destacaba al parecer por su virtuosismo vocal. Sin embargo, Anna fue, sin duda, la intérprete favorita del compositor.
Puede que Ana fuese especialmente hábil en reflejar con su voz las intenciones y personalidad de Vivaldi. Y seguramente, por eso decidió convertirla en su protegida y viajar con ella por toda Europa. Lo cierto es que Anna permaneció con el músico hasta su muerte.
Obra Vivaldi desmpeó un papel crucial en la exploración de un nuevo estilo musical en el que los instrumentos fueron definitivamente liberados de su dependencia con respecto a la música vocal. Su innovador uso de escalas rápidas, arpegios, etc., contribuyeron de forma decisiva al desarrollo de la técnica del violin. Es considerado uno de los precurosores de la música programática.
Escribió más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y música religiosa. Las únicas obras que se imprimeron durante su vida fueron 40 sonatas y un centeanar de conciertos.
Las cuatro estaciones En estos conciertos descriptivos se van relatando sensaciones, paisajes, colores y personajes, los cuales constituyen la trama estructural de la narración musical. El compositor pone de manifiesto su gran fantasía y espectacular ímpetu creativo, utilizando un apasionado lenguajeinstrumental, con ritmos vigorosos y fuertes contrastes. Lo más sorprendente de estos conciertos es que han logrado superar los límites de la llamada música clásica y han conquistado la sensibilidad de todo tipo de público.
Aquí podeís ver y escuchar a la violinista Julia Fischer interpretando el concierto: El Invierno.
Sí quereís escuchar "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi interpretados por esta violinista, aquí os los dejo los links.
(excepcional también la interpretación de la Orquesta de Mujeres de la Filarmónica de Viena: clic aquí )
Debajo podeís escuchar la versión-interpretación de Vanessa Mae del tercer movimiento del concierto El Verano, que es uno de mis conciertos favoritos de este genial compositor.( Se divivde en tres tiempos_ i Allegro non molto - ii Adagio y iii Tempo impetuoso d'Estate) he seleccionado el Tempo impetuoso d' Estate intentaré subir los otros dos. A mí me sorprendió muchísimo la primera vez que lo escuché... espero que vosotr@s también os guste.
Chantal Labi-Dilombwa trabaja vendiendo pan, pero cuando termina su jornada laboral, resurge como el ave Fénix y hace lo que de verdad llena su corazón: tocar el violín en la única orquesta sinfónica que existe en el centro de África: La orquesta sinfónica del Congo (o de Kinshasa). Sus compañer@s de aventura posen también una identidad secreta. Josephine Msimba (debajo), trabaja en el mercado de Kinshasa vendiendo huevos, y toca el violonchelo;
Papy el farmacéutico, toca la tuba; Laddy, antenista, es el oboe; Nathalie Bahati, (abajo) decora coches de boda y dedica sus tardes a la flauta travesera... Todos son amateurs. Cargan con sus instrumentos hasta el barrio más pobre de la ciudad y ensayan, aprendiendo gracias a las clases de solfeo de Papá Armand o mirando en internet cómo tocan sus instrumentos los músicos que sí poseen formación.
No tienen dinero, ni esponsors, ni caché. Si se rompe una cuerda de su violonchelo Josephine la sustituye por el hilo de nailon de una chaña de pescar. Un cable hace un Mi, dos un La, tres un Re y cuatro un Sol. Mientras no paran de ensayar y de soñar.
Debajo dejo el único video que encontré en el que nos muestran algunos de los integrantes de la Orquesta Sinfónica de Kinshasa: primero aparece Albert Matubenza que construye instrumentos musicales, en sus brazos lleva un contrabajo (el decimo q ha diseñado) Después la chelista Josephine Matubenza no dice que primero primero rezan y después cantan. En el minuto 1:29 podemos escuchar el comienzo de la famosa obra Carmina Burana de Carl Off en sus voces e instrumentos...
Armand Diangienda, es el director de la orquesta y nos dice que en el 93 finalizó sus estudios como piloto de avión, pero como no encontraba trabajo decidió fundar la orquesta.
Seguidamente podemos ver a la violinista Chantal, a la trombón y el trompa. En el minuto 2:25 Mireille Ikina, la soprano, nos dice " en cuanto comienzo a cantar olvido mis problemas" "cuando estoy debilitada y escucho la música ella me da fuerzas". El tenor Moise Niandu dice "si la musica no pordría vivir porque es mi pasión. Y sin la peluquería no podría vivir porque es lo que me da un sueldo".
fuentes (reportaje de Silvia Fernandez en Mujer hoy , e imagenes de Le figaro)
Poetisa, cantora e instrumentista griega, nació en la isla de Lesbos, (actualmente también conocida como Mitilene, que es el nombre de la capital) hacia el año 630 a.C. Debido a las las vicisitudes políticas de su tiempo y a sus ideas Safo, tuvo que emigrar a Sicilia. A su regreso, fundó una academia de poesía, filosofía, música y danzapara muchachas que acudían de toda Grecia. Safo y sus alumnas oficiaban ritos en los festivales religiosos y sus epitalamios (cánticos nupciales) se hicieron famosos. La forma poética del epitalamio fue tomada como modelo durante miles de años por otros escritores en Grecia, Roma y Europa.
Safo tocó la flauta y la lira (kitara) y se le atribuye el desarrollo de un instrumento de cuerda llamado pectis, así como de introducir el uso del plectro para la lira. Aristoxenes atribuyó a Safo la invención del modo misolidio y unanueva forma de música.
Fue la poetisa más admirada de la Antiguedad; en su obra, empleó a menudo la estrofa sáfica creada por ella misma. Esta estrofa consiste en el verso de tres endecasílabos y un adónico final de cinco sílabas. Muchos poetas griegos posteriores asimilaron la influencia de Safo, en particular Teócrito.
Escribió en dialecto eólico y utilizando diversos esquemas métricos odas, epitalamios, elegías e himnos recogidos en nueve libros. Pero la mayor casi toda su obra fue destruida debido a la intolerancia religiosa, la obra de Safo se consideró literatura impúdica. De esta forma nos despojaron de un invaluable e irremplazable patrimonio de la humanidad. Tan solo se conservan unos 650 versos: una oda completa Oda a la mujer amada, recogida por Longino en su libro Tratado de los sublime; el himno A Afrodita, recogida por Dionisio de Halicarnaso y 200 fragmentos de poemas, algunos de los cuales se encontraron recientemente en Egipto.
Su poesía se caracteriza por la exquisita belleza de su dicción, su perfección formal, su intensidad y su emoción. (a continuación Safo por Soma Orlai Petrich)
Safo además de tener talento era una mujer valiente. Su merito consiste en que ocupó ese espacio íntimo tan inexplorado en aquellos tiempos llenos de epopeyas y héroes mitológicos.Ella osó dejar de lado el mundo rudo y dedicarse a la exploración de la subjetividad, la exaltación de la pasión y el culto a Afrodita, diosa del amor, el placer y los sentimientos sensuales. Ese mundo de las caricias, olores e imágenes que ella describe magistralmente.
"De ella ver quisiera su andar amable Y la clara luz de su rostro antes Que a los carros lidios o a mil guerreros Llenos de armas..."
Según el poeta Manuel Aguilar de la Torre "Ningún otro poeta de la Grecia antigua alcanzó la perfección y belleza de la poesía creada en Lesbos. Apasionados, violentos, indisciplinados, los eolios de Lesbos fueron maestros del canto, de la música y el amor nunca encontró fuera de esa isla palabra más cálida, más expresiva, más pasional, más bella y más sonora".
"Otra vez el amor que deshace el cuerpo me atormenta,
como una amarga y dulce fiera invencible"
Safo cantó a la naturaleza, a la belleza y al amor, un amor lleno de ternura hacia algunas de las jóvenes alumnas de su escuela; sus poemas están dedicados a Gogila, Arignota, Attide, Erinne, Atthis...Safo encontraba en la belleza de aquellas muchachas una revelación de lo sagrado y cuando le eran indiferentes invocaba la ayuda de Afrodita. Expresó en sus obras el sentimiento apasionado y el deseo físico, con un lenguaje poético de honda intensidad.
Me parece que igual a los dioses
aquel hombre es, el que sentado
frente a ti, a tu lado, tu dulce
voz escucha
y tu amorosa risa. En cambio,
en mi pecho el corazón se estremece.
Apenas te miro,
la voz no viene más a mí,
la lengua se me inmoviliza, un delicado
incendio fluye bajo mi piel,
no ven ya mis ojos
y zumban mis oídos,
el sudor me cubre, un temblor
se apodera de todo mi cuerpo y tan pálida
como la hierba no muy lejana de la muerte
me parece estar. . .
Pero todo debe soportarse si así es
Por ello, se deduce que Safo se enamoraba de sus discípulas. (Arriba Safo inspirada por el Amor de la pintora y artista Angelica Kauffman) De ahí proceden los términos lesbianismo y safismo, ambos usados para nombrar a la homosexualidad femenina. De ahí la polémica provocada por algunos habitantes del lugar que pedían utilizar exclusivamente la palabra lesbiana unicamente como gentilicio, excluyendo a las mujeres homosexuales.
En algunas zonas de la antigua Grecia, las mujeres gozaban prácticamente de todos los derechos que tenían los hombres.Lesbos era uno de estos lugares, sin embargo, en Atenas la situación era totalmente diferente, por lo que Safo comenzó a recibir los primeros descalificativos, ya en vida por parte de muchos sectores de una tierra donde solamente las cortesanas tenían acceso a la cultura y vida social. Esto hace una idea del pensamiento con que Safo fundó su academia. Existieron otras maestras como Safo, en Máximo de Tiro se citan dos educadoras: AndrómedayGorgo.
Entre Safo y Alceo, el otro famoso poeta de Lesbos, hubo una especie de competencia entre iguales e intercambiaron poemas y críticas. Los poemas de Safo fueron acogidos con entusiasmo desde la Atigüedad. A partir de la época Alejandrina se puso de manifiesto el interés por conservar su obra e intentar descubrir nuevas partes. Safo ha sido probablemente la poeta más traducida y más imitada de la antigüedad clásica. A lo largo de siglos, autores como Alceo, Platón,Horacio, Catulo, Teócrito, Petrarca, Leopardi, Byron o Rilke, entre otros, han admirado su obra.Platón llamó a Safo la Décima Musa. también recibió el apelativo de Musa Mortal. (Abajo, Safo por Ferdinand Kronberg, +imagenes )
....
Ella se marchó entre abundantes
lágrimas diciéndome:
"¡Ay, Safo, cuánto sufrimos!
¡Con cuánto pesar te abandono!"
Y yo le contesté:
¡Adiós, y sé feliz! ¡Sólo recuérdame,
pues sabes cuan atada estoy a ti!
Acuérdate al menos
(¡oh, no lo olvides!)
de las amadas y hermosas cosas que vivimos.
De tantas guirnaldas de violetas
y de rosas, y también de azafrán,
. . .con que a mi lado te ceñiste.
De tantos collares tejidos
con dulces flores
que rodeaban tu tierno cuello.
De las muchas veces que con abundante
mirra de flores y de reyes
ungiste tu cabeza de hermoso peinado.
Del blando lecho
en que tú, a mi lado,
dejando que la ternura saliera. . .
Y no hubo colina profana
o sagrada, ni fuentes de aguas
a donde no hayamos ido.
Safo murió segun la tradición, en el año 570 a.C. y en los poemas de su última época, se describe a sí misma como una aciana que goza de una vida tranquila, pobre, en armonía con la naturaleza.
Su vida sigue envuelta en el misterio pero su esencia y su arte sobreviven en su poesía. Safo fue una creadora pura que fundió los versos con la música e intenó transmitir este arte a través de sus alumnas.
"el que ahora sea bueno, después será bello".
(traducción de los poemas de Safo por Carlos Montemayor)
De origen judío, nació el 15 de diciembre de 1928 en Chelm, una ciudad de Polonia. Comenzó a tocar el violín con tres años. A los cuatro se inscribió en el conservatorio de Varsovia. Tres años después, quedó finalista en el concurso internacional de Violin Henryk Wieniawski.
En 1970 se publica su autobiografía "Mujer con violin".
Ha realizado grabaciones de obras de diversos compositores como Beethoven, Brahms, Falla, Grieg, Haendel, Mendelssohn, Paganini, Sarasate, Schubert, Sibelius, Tartini... Y colaborado con directores de la talla de Zubin Metha o Rafael Kubelik.
Toca un violin de 1696 de A. Stradivari y otro de Guarneri.
Ida, interpreta con tanta sencillez y fuerza emotiva que consigue que la música llegue más alla de los sentidos.
Y al verla impresiona... por su increíble facilidad cuando interpreta los pasajes con mayor dificultad tecnica. No muestra tensión ninguna y consigue así lo espectacular: toda la tecnica queda en un segundo plano, Ida ofrece la obra artística en su estado puro sin pretensiones de grandeza más que las de la propia composición.
Os dejo su interpretación de "Aires Gitanos" de Pablo Sarasate. Os recomiendo que la escucheís de principio a fin no os arrepentiréis...
La primera vez que escuché esta canción me emocionó. Será la voz de Sarah Brigthman, será la melodía... hay algo que va más allá de los sentidos... Se trata de un sencillo y a la vez impresionante cantico de la Madre Naturaleza para cada un@ de nosotr@s
Os dejo el vídeo , y la letra de la canción.
(1)
Deliver me, out of my sadness (Liberame, de mi tristeza)
Deliver me, from all of the madness, (Liberame, de toda esta locura)
Deliver me, courage to guide me (Entrégame, valentía para guiarme)
Deliver me, strength from inside me (Entrégame, fuerza interior)
(2)
All of my life I've been in hiding, (Toda mi vida me he estado ocultando),
wishing there was someone just like you (deseando que hubiera alguien just@ como tú)
Now that you're here (Ahora que estás aquí)
Now that I've found you (Ahora que te he encontrado),
I know that you're the one to pull me through (sé que serás la persona que me ayudará a salir)
(3)
Deliver me, loving and caring (Entrégame, amor y cariño)
Deliver me,giving and sharing (Regalame entrega y generosidad)
Deliver me, the cross that I'm bearing (Quitame la cruz que estoy cargando)
En el siglo iX además de surgir la música profana, nace la polifonia: estilo musical mediante el que genera y desarrolla simultáneamente varias líneas melódicas independientes. Distinguimos tres períodos:
Nacimiento de la polifonía, (s ix - xii): la Iglesia admite la polifonía como un modo de enriquecer y decorar el canto litúrgico y. Las primeras formas polifónicas se basan en el Gregoriano y son:
- Organum: se considera el estado más primitivo de la polifonía. Consiste en añadir a una melodía gregoriana, llamada canto firme o voz principal, una segunda voz acompañante (voz organal) a distancia de cuarta o de quinta.
- Organum florido u organum melismático: se mantiena la voz principal (cantus firmus) y la otra voz superior, que se mueve más rápidamente, añade florituras y adornos.
- Discantus: dos voces van por movimiento contrario, es decir, la voz acompañante desciende cuando la voz principal asciende y viceversa, aunque siempre nota con nota (es decir, la voz organal tiene exactamente el mismo ritmo que la voz principal). Constituye el origen del contrapunto ( "punto contra punto" = nota contra nota), que se desarrolla a lo largo de los siglos siguientes.
Ars Antigua (s. xii - xiii): su fundamento es la creación de la Escuela de Notre Dame de París, de la que surgieron dos músicos de gran relevancia: Léonin y Pérotin. Con ellos nace la formas polifónicas:
- Conductus: la voz principal ya no es gregoriana, sino inventada por el compositor( melodías populares, profanas o religiosas) y el ritmo deja de ser libre, para adquirir un caracter procesional.
- Motete: de carácter contrapuntístico, a dos o tres voces que cantan una letra diferente y tienen un ritmo igualmente distinto, por lo que resulta una música muy vivaz y contrastada. En el motete se mezcan incluso letras profanas y religiosas. Es usado tanto en el ámbito profano como en el religioso. Es la gran invención de la escuela de París y se relaciona con Perotin.
Ars Nova (s xiv - Renacimiento) la polifonia medieval llega a resultados más perfectos en este periodo. Surgirá un nuevo modo de cantar que será la expresión del ser humano gótico, que vivie el nacimiento de una sociedad urbana. Destaca el compositor Guillaume de Machaut(1300-1377): por su condición de cura es sorprendente que su música contenga tantas canciones sobre el amor no correspondido. Expresó su amor desdichado por una joven - la noble Peronne en su música secular y su poesía. La obra más importante de Machaut fue su "Misa de Notre Damme". Os dejo un fragmento de la obra:
También produjo una impresionante colección de motetes y bellísimas canciones, en muchas de ellas quedan plasmadas las estructuras poéticas de la época: rondó, virelai, balada y lai.
Aquí os dejo dos canciones de Machaut: "liement me deport par samblant"
y "Je vivroie liemente":
Con esto, doy por finalizado nuestro viaje a través de la música en la Édad Media, y os tiendo la mano para realizar otro viaje distinto, a través del Renacimiento... pero esto será más adelante.
Así comienzan la mayoría de los cuentos que conocemos. Aparentemente son tiernos, inocentes y hermosos. En parte es así, pero tengamos en cuenta que través de estas historias las niñas perciben infinidad de mensajes acerca de su condición de mujer y lo que se puede esperar de otras mujeres. Además de numeros códigos de conducta sobre cómo debe ser una mujer para conseguir buenos pretendientes.
Por ejemplo, escuchando el relato de Blancanieves, se les está diciendo a las pequeñas que una verdadera mujer debe atender incondicionalmente el hogar. Así cuando Blancanieves, llega por vez primera a la casa de los siete enanitos, comienza a limpiarla afanosamente ya que está hecha un autentico desastre. Los siete enanitos trabajan únicamente fuera y dentro no son capaces ni de un mínimo. Es más, la primera traducción al español de la famosa canción "hi ho" lo deja bien claro: "hi-ho, hi-ho, a casa a descansar" ¿quien no la recuerda? A pesar de que la versión original en inglés lo que dice es " " it's home from work we go" = del trabajo a casa voy. (Parece ser que la versión moderna ha decidido cambiar la mala traducción por " a casa vuelvo yo" algo más acorde con la canción original).
Aquí os dejo un video que incluye ésta y otras canciones. Su valor artísitico es innegable, así como el amor, la sensibilidad y la ternura que despierta por la naturaleza y a los animales. Pero
seamos capaces de ver lo más negativo: los prejuicios que caen sobre la mujer.
Además tanto en Blancanieves como en otros cuentos como Cenicienta..., se resalta la maldad de las madrastras lo que fomenta vínculos negativos alrededor de esta figura dentro de una familia.
Pero no sólo se tiende a fomentar la rivalidad contra las madrastras, también hacia las hermanastras o hacia otras mujeres en general, por ejemplo: la Bella Durmiente y la Maléfica (un nombre muy sutil) La Sirenita y Úrsula...
En todos estos cuentos se tiende a una misma fórmula: protagonistas femeninas buenas (muy bellas y desprotegidas) enfrentadas a mujeres muy, pero que muy, malas. La mayoría de la crueldad de estas mujeres es generada esencialmente, por la envidia o la venganza . ¿Por qué odia tanto la madrastra a Blancanieves? Todos lo sabemos: porque cuando ella pregunta a su espejito mágico " ¿quien es la más bella del reino?" éste contesta que es Blancanieves y entonces se enfurece tanto que trata de matarla.
En la mayoría de estos cuentos se hace una clara distinción entre malvadas y malvados: los actos de ellas buscan motivos de caracter personal (por lo general) con otras mujeres mientras que ellos buscan el poder, la dominación.
Esto no significa que los cuentos no resulten emocionantes, sólo que habría que adaptarlos e intentar eliminar todos esos estereotipos, o por lo menos advertir y explicar la falsedad que esconden a los más pequeños. Lo indispensable es explicar a las niñas que sólo es un cuento, y que en la realidad ningún sapo se convierte en príncipe con un beso, como tampoco una mujer rivalizando con otras mujeres, consigue lo que se propone. Lo consigue con su inteligencia, destreza y habilidad.
Cuando se retira la fantasía del sapo, cuando la otra deja de ser una enemiga, cuando el único rescate pasa por nosotras mismas, cuando salimos a buscar nuestro zapatito de cristal y nos vamos a casa con él en la mano, entonces estamos preparadas para crear nuevos cuentos. Cuentos cuyos finales serán originales, abiertos, sorprendentes y dejarán de esconder tanta falsedad y negatividad hacia la mujer y sus relacion con otras mujeres. Y lo más importante: los cuentos además de entretenernos enseñarán a superar las limitaciones del género en lugar de convertirse en una opresión más sobre la mujer.
Hildegarda de Bingen fue compositora, poeta, escritora, naturalista, científica, feminista, religiosa, predicadora, fundadora de dos monasterios y ante todo ... mujer.
Por eso quiero compartir con vostr@s unas breves pinceladas de lo que fue su vida: la vida de una de las mujeres más extraordinarias de la Edad Media. Hildegarda de Bingen (1098-1179) nació en Alemania, en el seno de una familia noble que la entregó, a la edad de ocho años, al monasterio masculino de Disibodengerb. Éste albergaba en una celda anexa, una pequeña comunidad de monjas. Allí la joven, aprendió, fundamentalmente, latín, griego, música y ciencias naturales.
A la edad de 38 años fue elegida abadesa de la comunidad de monjas y, a partir de entonces comenzó una intensa actividad literaria, escribió libros sobre religión: una de sus obras más importantes fue Svicias (conoce los caminos) que tardó diez años en completar. También escribió sobre biología (obtuvo un profundo conocimiento sobre las plantas, sobre todo respecto de su uso medicinal), y medicina.
Además Hildegarda era predicadora: realizó duros viajes, a pesar de su naturaleza débil, para hablar sobre la redención, criticar la corrupción eclesiástica , describír a Dios con atributos femeninos (algo revolucionario para la época), convertir las debilidades atribuídas a las mujeres en autoridad y para luchar por la equiparación de los sexos en cuanto al castigo a los pecados. No tuvo reparos en enfrentarse a los representantes de la iglesia , cuando este modo de pensar era inconcebible.
De esta mantera comenzó a ser tan reconocida, que personas de todas las clases sociales la buscaban para escuchar sus palabras de sabiduría, pedirle consejos, para que los curase o los guiara...
Su fama hizo que la comunidad de monjas creciera de tal forma que Hildegarda solictó emanciparla de los monjes de Disibodenberg. Tras las oposiciones de éstos finalmente consiguió, trasladar la comunidad en 1150.
En su nuevo monasterio se dedicó a ultimar sus obras musicales que reunió bajo el título Symphonia armonie celestium ( Sinfonia de la armonía de las revelaciones celestiales). Entre sus composiciones hay antífonas, himnos, responsorios y 1 oratorio. (si quieres ver el nombre de la mayoría de sus obras haz clic aquí). La mayoría son de un estilo muy personal y audaz adelantándose más de un siglo respecto a la música de su época. Hildegarda fue una de las pocas mujeres compositoras que logró mantener la auditoría de sus obras gracias a que supervisó personalmente la copia de sus manuscritos. Hoy en día, podemos escuchar su música a través de conciertos y múltiples grabaciones de su obra, algunas de ellas incluyen mezclas con ritmos Techno y New Age, que demuestran lo universal de su genio.
Pero sus opiniones y modo de pensar y actuar le llevaron a situaciones muy críticas. La última a la que tuvo que enfrentarse aconteció en 1178 cuando dio sepultura en su convento a un joven revolucionario que habia sido excomulgado. Así, según la Iglesia, el joven no merecía santa sepultura, pero Hildegarda se negó a desenterrarlo, alegando que él se había arrepentido.
Ésto le acarreó a Hildegarda y a todas las monjas a su cargo la prohibición de toda manifestación musical. A alguno podría parecerle que no es un gran castigo, pero para Hildegarda, quien encontraba en la música un medio para comunicarse con Dios y una forma de alegrar el espíritu ante las penas de este mundo, sí lo era.
Finalmente, la iglesia accedió a levantar el entredicho, pero pocos meses después Hildegarda murió. Hubo varias tentativas de canonizarla y, aunque nunca llegó a suceder, el papa Juan Pablo II la reconoció como mujer santa.
La cantante asturiana Cristina del Valle, dedicada en cuerpo y alma a luchar por la defensa de los derechos de la mujer, ya tiene nuevo disco "Tiempos rotos" que salió a la venta el pasado 15 de Abril, sentido, profundo, capaz de cautivar desde la sencillez y el sentimiento. Un trabajo en el que esta gran artista ha plasmado su compromiso con las injusticias sociales a través del universal lenguaje de la música.
Los temas que han sido compuestos por artistas de la talla de Coti, Carlos Chaouen, Esmeralda Grao, Cecilia Blanco entre otros , mezclan arreglos, instrumentaciones y ritmos latinos, celtas y árabes. Todos ellos están impregandos de ternura, comprensión y búsqueda de paz, respeto e igualdad.
Atrás han quedado los conciertos de Belén, Ramalah o Ciudad Juárez, las visitas a las cárceles, las casas de acogida de mujeres víctimas de los malos tratos, las audiencias y reuniones en el Parlamento Europeo, la ONU, Zarzuela o Moncloa, los aviones, las salas de espera, las noches sin dormir escuchando el sonido de las bombas, los llantos o el mudo silencio del miedo. Ahora, ha llegado la hora de contarle al mundo cómo se pueden sembrar palabras y armonías allá donde se emplea el mísero lenguaje de la violencia.
Canciones 1- Tiempos Rotos(adap al castellano del famoso tema seven seconds de Nereh Cherry). 2- Lo saben hasta las estrellas(autor: Coti Sorokin; guitarras: Pedro Salinas) 3- La frontera(autores: Toli Morilla y Cristina del Valle; percusiones étnicas: Maria José Hevia). 4- Nada que ofrecerte (autor: Carlos Chaouen; Bajo Fretless : Juan Carlos Mendoza) 5- La mora judía(autor: Jorge Drexler; guitarra flamenca: Toni Jimeno). 6- Rescatar una ciudad(autora: Esmeralda Grao, guitarras: Pedro Salinas, violin: Judith Mateo) 7- Sueño(autor: Jose Ramón Vazquez, percusiones étnicas Maria José Hevia) 8- Sara Saray(autora Rin Banna, adp de Esmeralda Grao, participa en los coros Cecilia Blanco) 9- Salma (autora: Cecilia Blanco) 10- Agua(autores: Toli Morilla y Cristina del Valle; Flauta y gaita: Jose Ángel Hevia)
Aquí podeís escuchar algunas de las canciones que componen este disco, el que por su puesto os recomiendo, ya no solo por la causa social que contiene sino por los ritmos étnicos que son fantásticos, las guitarras, el violin, los coros y por su puesto por la preciosa voz de Cristina del Valle. Espero que os guste.
Desde el s IX al XII se desarrolla el sistema de los "neumas": signos elementales escritos sobre cada sílaba del texto.
Los neumas no indicaban ni la alturas de los sonidos, ni el ritmo, ni la tonalidad. Luego el elemento ppal de este tipo de notación era la memoria del intérprete.
La escritura musical conoció una importante evolución al sustituir la caña por la pluma de ave que dejará un trazo cuadrado sustituyendo la notación cuadrada al sistema de neumas anterior.
Sin embargo, el progreso más "revolucionario" se produjo cuando comenzaron a utilizarse lineas para fijar la altura de los sonidos musicales. Al principio una linea roja trazada encima del texto, generalmente indicaba la nota fa y servía como referencia a los demás sonidos. Luego se añadió una segunda línea en color amarillo o verde para indicar un Do. A finales del s. XIII, la extensión de las melodías del hacia el grave y hacia el agudo, impuso la necesidad de añadir dos líneas más, dando lugar al tetragrama o pauta de cuatro líneas. (Abajo: detalle del canto gregoriano de la fiesta de la Asunción de la Virgen, en notación sobre tetragrama, siglo XV).
Curiosamente, en algunos manuscritos se puede ver pautas de cuatro, cinco, seis y hasta diez líneas. Finalmente en el s XVI se generaliza el empleo de la pauta de cinco lineas o pentagrama.
El nombre actual de las seis primeras notas de la escala musical, se debe al monje benedictino Guido de Arezzo que invent un sistema concebido para enseñar a los niños a partir de este himno a San Juan Bautista. La melodía de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un sonido diferente, que coincidía con los sonidos de la escala. Con el tiempo la primera sílaba se cambió por Do y se añadió el Si uniendo la "S" y la "I" de los dos últimos versos.
Así mismo, este monje ideó un sistema de aprendizaje de los sonidos, intervalos y escalas que se hizo famoso y fue usado durante muchísimos años, conocido como la mano guidoniana.
La notación neumática así como la cuadrada supusieron grandes progresos en la escritura musical, pero quedaba impreciso el ritmo a adoptar, era pues necesario fijar la duración de los sonidos. Surge la notación mensural (S. XIII). (las notas tendrán formas diferentes según su duración). Las formas angulosas pasaron a ser redondas en el s xVII dando origen a las notas actuales., también se impondrá el sistema de compases, y empezaron a emplearse las indicaciones de tiempo: allegro, adagio...
Durante los s XVIII y IX comienzan a utilizarse matices de dinámica, matices de intensidad y, en general surge una tendencia generalizadora a escribir todos los detalles expresivos en la partitura.
La invención de la imprenta en 1455 supuso un cambio radical para la divulgación de las partituras. A partir de 1700, con la llegada de la burguesía al poder, se empezará a producir y a distribuir música impresa a gran escala. Es éste el principio de una evolución que, ayudada por los avances tecnológicos, ha desembocado en la actual presencia constante de la música en nuestra vida cotidiana.
viernes, 10 de abril de 2009
Música: el movimiento del alma
La música, alegra al melancólico, infunde coraje y valor a quien desespera, enorgullece al humilde, calma el dolor, puebla la soledad y debilita la envidia y el odio.
Algunas frases célebres:
"Después del silencio, lo que más se acerca a expresar lo inexpresable es la música". Aldous Huxley
"En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad". Arthur Schopenhauer
"La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía". Ludwig Van Beethoven
"La música es el arte más directo, entra por el oído y va al corazón". Magdalena Martínez
"La música es la armonía del cielo y de la tierra". Yuel-ji
"La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor". Kurt D. Cobain
"La música es un eco del mundo invisible". Giuseppe Mazzini
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