La Música en el Barroco (I)

Introducción

El Barroco es una de las épocas más importantes de la música occidental que abarca desde el siglo XVII  (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

El ser humano del Barrco vive una época de crisis, tanto económica como espiritual. Esto tiene un reflejo en todas las artes y hace q se produzcan obras críticas como Don Quijote de Cervantes. En la música se manifiesta dándole un sentido dramático  y muy expresivo. (El término barroco se tomó de la arquitectura  donde designaba algo «retorcido», una construcción pesada, elaborada, envuelta)

Principales técnicas de composición del canto barroco

Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del Renacimiento y se producen avances:

1) Se intensifica la fuerza emocional de las palabras, creando tres maneras de cantar el texo: recitativo o canto declamado (es como declamar una poesía semicantándola), arioso (forma de cantar más adornada que el recitativo) y aria (en él la melodía se decora con profusión)

2) Se logra un invento transcendental: la Monodia acompañada que consiste en una melodía sostenida por el bajo continuo( base armónica que se obtenía utilizando un órgano, un clavicémbalo, una viola de gamba, un violonchelo o incluso un laud o una guitarra)

3) Nace el Policolarismo: música creada para varios coros distintos que cantan al mismo tiempo. 

Formas vocales

La música religiosa sigue teniendo una gran importancia durante el Barroco, así surgen nuevas formas musicales:

Oratorio: forma vocal religiosa, de carácter narrativo sin representación escénica. En ella dialogan coros, cantantes solistas y orquesta sobre argumentos tomados casi siempre de la sagrada escritura. El primer gran autor de oratorios es Giacomo Carissimi ( 1605- 1674) que con su obra Jepthe convierte al coro en el gran protagonista, dándole una gran fuerza dramática. Con "El Mesías" de Händel este género alcanzó su máxima cumbre.

Cantata: forma vocal a una o varias voces ( con o sin solista, con o sin coro) con acompañamiento instrumental. Excluye por completo el elemento dramático (no narra), pero se caracteriza por ser muy lírica (evoca). El coro es menos importante que en el Oratorio.

La Cantata tiene origen profano, pero es aceptada por la Iglesia. Entre los cultivadores de esta forma destacan Alessandro Scarlatti,  Pergolesi y Bach quien cultivó más de 300 cantatas tanto religiosas como profanas, de las que sólo quedan cerca de 200.

Ópera género de música teatral en el que una acción escénica es, armonizada cantada y tiene  acompañamiento instrumental, Precisa de escenario, orquesta, coro  y solistas. Nació en Florencia a finales del siglo XVI y se convirtió en el sistema mas perfecto para llevar a cabo la dramatización barroca. Claudio Monteverdi consolidó definitivamente el género con obras de la categroría de Orfeo (considerada la primera ópera de la historia - clic aquí para ver un fragmento), Ariana... 

Una ópera consta de:

1) Obertura: parte instrumental que la precede.

2) Partes cantadas

3) Interludios: partes instrumentales que se intercalan en la obra. 

Los dos tipos más importantes de ópera barroca son:

- Opera seria: de carácter aristocrático, con temas mitológicos

- Ópera bufa: de carácter popular. Los protagonistas no son dioses sino personas de la clase media que critican a la aristocracia. Destaca la Serva padrona (ver aquí) de Pergolesi.

En Francia, el nuevo arte se vio impulsado por los trabajos de J.B. Lully. En Inglaterra H. Purcell escribió una de las piezas más brillantes del género Dido y Eneas que se representó por primera vez un colegio para señoritas de familias acomodadas.

Inmediatamente cada nación acomoda el género a sus gustos y así surgen: la ópera comique francesa, el singspiel alemán, la ópera balada inglesa o la zarzuela española.

Zarzuela: obra de teatro en la que se alternan las escenas habladas con las cantadas. La música se aplica sobretodo a las partes más líricas. Se caracteriza por su colorido, casticismo y espontaneidad.

Las primeras primadonnas y su música 

Dada la importancia que adquiere la ópera, comienzan a florecer las escuelas de canto donde se instruyen muchas cantantes procedentes tanto de familias humildes como de familias de comerciantes y artesanos. Ya no se podría prescindir de la participación de la mujer en la música aunque durante un largo tiempo se intentó sustiyendo la voz femenina por la de los "castrati" sin embargo, ésta aberración fue cayendo por su propio peso. En tiempos de Shakespeare aun los hombres hacian los papeles femeninos y no va a ser hasta mucho tiempo después que la mujer comienza a intervenir en las representaciones teatrales con o sin música. Uno de los los mayores astros del barroco femenino  fue Francesca Cuzzoni quien, al igual que el resto de cantantes femeninas tuvo que soportar durante toda su carrera el absoluto reinado de los castrati, siendo a pesar de ello una de las primeras mujeres que lograron hacerse una fama y renombre enormes.

Francesca Cuzzoni Sandoni (1700 - 1770 ) conocida como la "Parmesana". Su voz pasó a la historia como una de las más bellas del siglo xviii, definida como Voce d'angelo ('voz de ángel') por su resonancia, homogeneidad, su vibrato dulce y penetrante y su facultad de modular y disminuir las notas con prodigioso efecto. Su fraseo era muy suave en los momentos lánguidos, elegíacos y patéticos. Fue probablemente la primera soprano italiana en poseer las características de soprano aguda. Con una entonación perfecta y una sorprendente igualdad de registro, Cuzzoni era además enormemente admirada por el gusto y la delicadeza con que sabia adornar las melodías como por su trino. De esta manera consiguió tanta fama que llegó incluso a provocar escenas de auténtico fanatismo en el público inglés cuando la oian cantar.

Entre 1740-1742 viajó por los estados alemanes en compañías errantes o como solista en conciertos y se dedicó a malgastar su enorme fortuna en una vida disipada y llena de lujos. Sus deudas le hicieron acabar en prision varias veces aunque consiguió salir siempre gracias a la ayuda de varios protectores. Murió en la más absoluta miseria en Bolonia en 1772.

Cantantes y compositoras

Muchas cantantes no sólo trabajaban sobre arias escritas para ellas, sino que también eran capaces de escribir arias que se podían incluir en las óperas. Era normal que las cantoras  supiesen tocar el clavicémbalo, la guitarra o el laúd, y sus conocimientos musicales debían ser notables si tenemos en cuenta que ya desde finales del siglo XVII aparecen como autoras de óperas líricas.  

En Europa el movimiento de la Contrarreforma Católica hizo que muchos monasterios se convirtieron en colegios donde el canto y la música formaba parte de la educación de las jóvenes.

Destacaron:

Lucrecia Orsina Viziani, Orssini Vezzana o Vinazi Orsina  (1590 – 1662) ingresó en el convento Camaldolese en Bolonia a la edad de ocho años y permanecio allí toda su vida, Fue cantora, organista y compositora. En 1623 publicó en Venecia sus trabajos Componimenti musicali de motetti concertati a 1 e più voci. También escribió libros de contrapunto y armonía. Sus obras están influidas por las tendencias musicales más modernas de la música italiana de la época, especialmente por Claudio Monteverdi.

Leonora Baroni (1611 – 1671) nació en la corte de la familia Gonzaga en Mantua. Fue cantante, intérprete de laúd y violín y compositora. Dotada de una hermosa voz pronto se hizo famosa como virtuosa del canto. Hablaba varias lenguas y escribió poesía y música. Cantó junto con su madre y su hermana en la corte y por toda Italia, Baroni fue honrada por nobles y poetas como Fulvio Testi y Francesco Bracciolini quienes le dedicaron poemas.

Isabella Leonarda (1620 – 1704) Nacida en Novara, a los 16 años ingresó como religiosa en el convento de Santa Úrsula, y  dedicó a la composición. Fue conocida como "la musa de Novara" Publicó más de 200 trabajos en unos veinte volúmenes, en especial motetes para solista; aunque también escribió misas y sonatas. En alguno de sus escritos la compositora cita a Platón: "Musicam docet Amor: el Amor de lo que es bueno y honesto templa y vigoriza las emociones, que son como las cuerdas de la lira del corazón, y brinda al hombre armonía consigo mismo y con los demás...".

(debajo interpretación  a cargo del conjunto "El concierto Ylustrado" de la Sonata Duodécima  de Isabella Leonarda)

  

Barbara Strozzi: (1619-1677) nacida en Venecia, compositora y cantante. La gran mayoría de sus trabajos son obras para soprano solista y bajo continuo, por lo que es posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella misma. Su música está profundamente arraigada en la técnica denominada "segunda práctica", cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. Strozzi escribió arias, cantatas dramáticas, madrigales y duetos. Publicó ocho volúmenes de obras, incluyendo más cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII.   

Elizabeth Claude Jacquet de la Guerre (1667 - 1729)

Hija de Claude Jacquet, una organista de la iglesia Ile-Saint Louis de París. Tiene tres hermanos, todos músicos. Elisabeth comenzó la interpretación de instrumentos de tecla a edad muy temprana. A la edad de seis años fue presentada como niña prodigio a Luis XIV, Madame de Montespan, amante del rey, quedó vivamente impresionada por lo que la invitó a vivir en Versalles y se encargó de su educación.  
n 1684 se casó con Marin de la Guerre, un organista, y se mudó a París, donde siguió actuando en conciertos y lecciones p rticulares y donde todos los grandes músicos de la ciudad llegaban a oírla tocar el clave. Al año siguiente consiguió que se ejecutara su primera obra, un ballet con fragmentos cantados. La composición tuvo éxito y Elisabeth escribió una primera serie de fragmentos para clavicémbalo. Ese mismo año dio a luz a un hijo, que desgraciadamente murió a los diez años.
Fue la primera compositora francesa que escribió óperas., "Jeux à l'honeur de la victoire" , "Céphale et Procris" En 1694 la Real Academia de Música ofreció la primera ejecución de su ópera Céphale et Procris, cuyo éxito fue inmediato y duradero. Posteriormente escribió su Trío sonate y una serie de arias. En 1707 publicó sus Piecés de clavecín y las Sonates pour la violon et pour le clavecin y en 1708 el primer libro de cantatas, únicos en Francia porque tiene como temas historias de la Biblia y particularmente historias de mujeres como Susana, Esther y Judith. 
(debajo podemos escuchar su sonata nº1 en re menor para violín y continuo)





Antonia Padoani Bembo (1640 - 1720) Nace en Venecia y destaca como cantante y compositora. Se sabe poco sobre su educación. Entre 1690 y 1695 fue presentada al rey Luis XIV, quien le ofreció una pequeña pensión y alojamiento en la comunidad femenina Petite Union Chrétienne des Dames de Saint Chaumont (Pequeña Unión Cristiana de Damas de Saint Chaumont), en la parroquia de Notre Dame de Bonne Nouvelle, en las afueras de París.

Antonia Bembo compuso en su mayoría obras de géneros vocálicos:
Un divertimento a cinco voces
Dos te deum
Musicalización de salmos con textos en latín y francés
Una ópera, L´Ercole (1707)Una cantata, Clizia, amante del Sole para soprano y bajo continuo.
De sus obras se conservan seis volúmenes en la Bibliothèque Nationale de París. 

Comentarios

Fuentes:
Wikipedia, the Free Encyclopedie
Revista de Artes
Mª Luisa Ozaita - opinión sobre la mujer en la música

Feliz Navidad

La Navidad  es paz, amor, nostalgia, ilusión y esperanza.
La Navidad es ternura, generosidad, perdón y reconciliación.
La Navidad es solidaridad, es una motivación para ayudar a personas necesitadas de cariño, de afecto, de luchar por vivir.
La Navidad es tiempo para tratar de ser mejores.

A tí que que estás leyendo estas líneas: Feliz Navidad.

  

Honraré la Navidad en mi corazón y procuraré conservarla durante todo el año

(Charles Dickens)

Antonio Vivaldi

Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Estudió música con su padre, Guiovanni Battista Vivaldi, barbero de profesión a la vez que brillante violinista. Antonio fue primógénito de nueve herman@s y, como era casi preceptivo en aquella época, fue destinado a ingresar en las órdenes religiosas. Se ordenó sacerdote en 1703 aunque hubo de abandonar los hábitos poco después por una grave afección asmática.

En la misma fecha ingresó como profesor de violín y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietà, un conservatorio para jóvenes huérfanas.


Vivaldi no tardó en ganarse una sólida reputación como violinista. Su cabellera roja y su modo de tocar el violín, con fogosidad y alarde de virtuosismo seducían a los conocedores y mecenas venecianos y extranjeros.


Trece años después fue nombrado maestro de conciertos y director de coros.
A comienzos de la década de 1710 era ya famoso como compositor en Vencia y en las principales plazas musicales europeas. En 1713 estrenó su primera ópera, Ottone in villa en Vicenza. Desde este año, además de sus labores al frente del conservatorio de la Pietà, se dedicó a desarrollar una carrera como compositor y empresario de óperas. En 1716 estrenó su primer gran oratorio dramático: Juditha trimphans, único de los tres que compuso que ha sobrevivido.


En 1726 conoció a la soprano Anna Giraud o Girò, quien interpretaba un papel en una de sus óperas, Farnace, quien le acompañó en sus numerosos viajes por Europa y con quien entabló una relación de amistad y colaboración musical que duraría hasta el final de la vida del músico.


Entre 1725 y 1728 estrenó ocho óperas en Venecia y Florencia. En 1725 publicó en Amsterdam Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, monumental recopilación de 12 conciertos, en el que se incluyen Las cuatro estaciones. En Praga, ciudad que albergaba una de las cortes más melómanas de la época, Vivaldi disponía de su propia compañía estable de ópera.


Su fama ya era internacional. En 1740, después de renunciar a su cargo en el Ospedale, emprendió viaje a Viena, posiblemente debido a la grave crisis económica que atravesaba Venecia. En realidad, Vivaldi ya había hecho varios intentos , todos fallidos, para conseguir una plaza estable y bien remunerada en una de las grandes capitales musicales europeas, que le permitiera abandonar la vida agitada y el agotador ritmo de empresario musical.


En Viena murió en circunstancias inciertas al año siguiente, el 26 o 27 de julio. Al fallecer, su hacienda era tan poca que hubo de ser enterrado en el llamado "cementerio de los pobres" de la ciudad.

Antonio Vivaldi fue olvidado inmediatamente por sus tornadizos contemporáneos y hubo que esperar a lo que se ha llamado Vivaldi renaissance, hacia la década de 1950 (casi dos siglos), para que la obra de este gran creador emergiera con fuerza. Este resurgir se debió principalmente al gran interés despertado en los estudiosos por el legado de Johan Sebastian Bach. Este grandísimo compositor estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones, en su mayor parte para clavecín.

El Ospedale della Pietà

El Hospital de la Piedad acogía oficalmente a huérfanas. En realidad el Ospedale era a la vez orfanato y conservatorio de música, uno de los más afamados de la ciudad. La reputación del Ospedale era tal que salir de allí con un título de graduación equivalía para estas chicas a la obtención de una dote, lo que les permitía conseguier un marido o ingresar en la vida conventual. Un dato revelador de la fama que tuvo Vivaldi como músico y pedagogo es que durante su mandato como maestro de música de este orfanato, desde 1703, las familias aristocráticas de la ciudad adquieron la costumbre de enviar allí a sus hijas legítimas.

El oratorio de la Pietà, donde Vivaldi impartía sus lecciones y organizaba los conciertos de sus pupilas, era un espacio más bien reducido. Cuando Vivaldi comenzó a dar clases, el edificio ya amenazaba ruina, y en 1730 se inició un largo proceso que concluiría terinta años depués con la creación de la nueva iglesia, diseñada por Masssari.
Los espectáculos musicales eran extraordinariamente populares y atraían a todas las clases sociales.

El trabajo de Vivaldi en el Ospedale consistía en impartir clases de interpretación musical a las pupilas,, componer dos conciertos mensuales para la orquesta de la iglesia y organizar los conciertos abiertos al público, que se programaban los sábados, domingos y festivos. El número de alumnas y la variedad de instrumentos contemplados en el plan de estudios explican por sí solos la riqueaza instrumental de la obra vivaldiana. El músico escribió incluso para instrumentos como la mandolina y el laúd o la viola d'amore, que habían dejado de formar parte del repertorio tradicional en el siglo xviii. Debida enteramente al genio musical de Vivaldi, en cambio, la innovación armónica que exhiben las piezas instruentales también refleja el alto nivel de las intérpretes para las que fueron escritas.


Anna Giraud
Una de las estudiantes de Vivaldi, Anna Giraud, fue una cantante de la que sse decía que tenía gusto y sensibilidad musical pero que no destacaba al parecer por su virtuosismo vocal. Sin embargo, Anna fue, sin duda, la intérprete favorita del compositor.


Puede que Ana fuese especialmente hábil en reflejar con su voz las intenciones y personalidad de Vivaldi. Y seguramente, por eso decidió convertirla en su protegida y viajar con ella por toda Europa. Lo cierto es que Anna permaneció con el músico hasta su muerte.


Obra
Vivaldi desmpeó un papel crucial en la exploración de un nuevo estilo musical en el que los instrumentos fueron definitivamente liberados de su dependencia con respecto a la música vocal. Su innovador uso de escalas rápidas, arpegios, etc., contribuyeron de forma decisiva al desarrollo de la técnica del violin. Es considerado uno de los precurosores de la música programática.

Escribió más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y música religiosa. Las únicas obras que se imprimeron durante su vida fueron 40 sonatas y un centeanar de conciertos.


Las cuatro estaciones
En estos conciertos descriptivos se van relatando sensaciones, paisajes, colores y personajes, los cuales constituyen la trama estructural de la narración musical. El compositor pone de manifiesto su gran fantasía y espectacular ímpetu creativo, utilizando un apasionado lenguaje instrumental, con ritmos vigorosos y fuertes contrastes. Lo más sorprendente de estos conciertos es que han logrado superar los límites de la llamada música clásica y han conquistado la sensibilidad de todo tipo de público.

Aquí podeís ver y escuchar a la violinista Julia Fischer interpretando el concierto: El Invierno.

Sí quereís escuchar "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi interpretados por esta violinista, aquí os los dejo los links.

Primavera 

Verano

Otoño 

Invierno

(excepcional también la interpretación de la Orquesta de Mujeres de la Filarmónica de Viena: clic aquí )

Debajo podeís escuchar la versión-interpretación de Vanessa Mae del  tercer movimiento del concierto El Verano, que es uno de mis conciertos favoritos de este genial compositor.( Se divivde en tres tiempos_ i Allegro non molto - ii Adagio y iii Tempo impetuoso d'Estate) he seleccionado el Tempo impetuoso d' Estate intentaré subir los otros dos. A mí me sorprendió muchísimo la primera vez que lo escuché... espero que vosotr@s también os guste.

Music Playlist at MixPod.com

Comentarios

La violinista Chantal Labi-Dilombwa

Chantal Labi-Dilombwa trabaja vendiendo pan, pero cuando termina su jornada laboral, resurge como el ave Fénix y hace lo que de verdad llena su corazón: tocar el violín en la única orquesta sinfónica que existe en el centro de África: La orquesta sinfónica del Congo (o de Kinshasa). Sus compañer@s de aventura posen también una identidad secreta. Josephine Msimba (debajo),   trabaja en el mercado de Kinshasa vendiendo huevos, y toca el violonchelo;

Papy el farmacéutico, toca la tuba;  Laddy, antenista, es el oboe; Nathalie Bahati, (abajo) decora coches de boda y dedica sus tardes a la flauta travesera... Todos son amateurs. Cargan con sus instrumentos hasta el barrio más pobre de la ciudad y ensayan, aprendiendo gracias a las clases de solfeo de Papá Armand o mirando en internet cómo tocan sus instrumentos los músicos que sí poseen formación.

No tienen dinero, ni esponsors, ni caché. Si se rompe una cuerda de su violonchelo Josephine la sustituye por el hilo de nailon de una chaña de pescar. Un cable hace un Mi, dos un La, tres un Re y cuatro un Sol. Mientras  no paran de ensayar y de soñar.

Debajo dejo el único video que encontré en el que nos muestran algunos de los integrantes de la Orquesta Sinfónica de Kinshasa:  primero aparece Albert Matubenza que construye instrumentos musicales, en sus brazos lleva un contrabajo (el decimo q ha diseñado) Después la chelista Josephine Matubenza no dice que primero primero rezan y después cantan. En el minuto 1:29 podemos escuchar el comienzo de la famosa obra Carmina Burana de Carl Off en sus voces e instrumentos...

Armand Diangienda, es el director de la orquesta y nos dice que en el 93 finalizó sus estudios como piloto de avión, pero como no encontraba trabajo decidió fundar la orquesta.

Seguidamente podemos ver a  la violinista Chantal, a la trombón y el trompa. En el minuto 2:25 Mireille Ikina, la soprano, nos dice " en cuanto comienzo a cantar olvido mis problemas" "cuando estoy debilitada y escucho la música ella me da fuerzas". El tenor Moise Niandu  dice "si la musica no pordría vivir porque es mi pasión. Y sin la peluquería no podría vivir porque es lo que me da un sueldo".

fuentes (reportaje de Silvia Fernandez en Mujer hoy , e imagenes de Le figaro)

Safo de Lesbos: la Décima Musa

Poetisa, cantora e instrumentista griega, nació en la isla de Lesbos, (actualmente también conocida como Mitilene, que es el nombre de la capital) hacia el año 630 a.C. Debido a las las vicisitudes políticas de su tiempo y a sus ideas Safo, tuvo que emigrar a Sicilia. A su regreso, fundó una academia de poesía, filosofía, música y danza para  muchachas que acudían de toda Grecia. Safo y sus alumnas oficiaban ritos en los festivales religiosos y sus epitalamios (cánticos nupciales) se hicieron famosos. La forma poética del epitalamio fue tomada como modelo durante miles de años por otros escritores en Grecia, Roma y Europa.

Safo tocó la flauta y la lira (kitara) y se le atribuye el desarrollo de un instrumento de cuerda llamado pectis, así como de introducir el uso del plectro para la lira. Aristoxenes atribuyó a Safo la invención del modo misolidio y unanueva forma de música.

Fue la poetisa más admirada de la Antiguedad; en su obra, empleó a menudo la estrofa sáfica creada por ella misma. Esta estrofa consiste en el verso de tres endecasílabos y un adónico final de cinco sílabas. Muchos poetas griegos posteriores asimilaron la influencia de Safo, en particular Teócrito.

Escribió en dialecto eólico y utilizando diversos esquemas métricos odas, epitalamios, elegías e himnos recogidos en nueve libros. Pero  la mayor casi toda su obra fue destruida debido a la intolerancia religiosa, la obra de Safo se consideró literatura impúdica. De esta forma nos despojaron de un invaluable e irremplazable patrimonio de la humanidad. Tan solo se conservan unos 650 versos : una oda completa Oda a la mujer amada, recogida por Longino en su libro Tratado de los sublime; el himno A Afrodita, recogida por Dionisio de Halicarnaso y 200 fragmentos de poemas, algunos de los cuales se encontraron recientemente en Egipto. 

Su poesía se caracteriza por la exquisita belleza de su dicción, su perfección formal, su intensidad y su emoción. (a continuación Safo por Soma Orlai Petrich)

Safo además de tener talento era una mujer valiente.  Su merito consiste en que ocupó ese espacio íntimo tan inexplorado en aquellos tiempos llenos de epopeyas y héroes mitológicos. Ella osó dejar de lado el mundo rudo y dedicarse a la exploración de la subjetividad, la exaltación de la pasión y el culto a Afrodita, diosa del amor, el placer y los sentimientos sensuales. Ese mundo de las caricias, olores e imágenes que ella describe magistralmente.

"De ella ver quisiera su andar amable
Y la clara luz de su rostro antes
Que a los carros lidios o a mil guerreros
Llenos de armas..."

Según el poeta Manuel Aguilar de la Torre "Ningún otro poeta de la Grecia antigua alcanzó la perfección y belleza de la poesía creada en Lesbos. Apasionados, violentos, indisciplinados, los eolios de Lesbos fueron maestros del canto, de la música y el amor nunca encontró fuera de esa isla palabra más cálida, más expresiva, más pasional, más bella y más sonora".

"Otra vez el amor que deshace el cuerpo me atormenta,

como una amarga y dulce fiera invencible"

Safo  cantó a la naturaleza, a la belleza y al amor, un amor lleno de ternura hacia algunas de las jóvenes alumnas de su escuela; sus poemas están dedicados a Gogila, Arignota, Attide, Erinne, Atthis...Safo encontraba en la belleza de aquellas muchachas una revelación de lo sagrado y cuando le eran indiferentes invocaba la ayuda de Afrodita. Expresó en sus obras el sentimiento apasionado y el deseo físico, con un lenguaje poético de honda intensidad. 

  

Me parece que igual a los dioses

aquel hombre es, el que sentado

frente a ti, a tu lado, tu dulce

voz escucha

 y tu amorosa risa. En cambio,

en mi pecho el corazón se estremece.

Apenas te miro,

la voz no viene más a mí,

la lengua se me inmoviliza, un delicado

incendio fluye bajo mi piel,

no ven ya mis ojos

y zumban mis oídos,

el sudor me cubre, un temblor

se apodera de todo mi cuerpo y tan pálida

como la hierba no muy lejana de la muerte

me parece estar. . .

Pero todo debe soportarse si así es

Por ello, se deduce que Safo se enamoraba de sus discípulas. (Arriba Safo inspirada por el Amor de la pintora y artista Angelica Kauffman) De ahí proceden los términos lesbianismo y safismo, ambos usados para nombrar a la homosexualidad femenina. De ahí la polémica provocada por algunos habitantes del lugar que pedían utilizar exclusivamente la palabra lesbiana unicamente como gentilicio, excluyendo a las mujeres homosexuales.  

En algunas zonas de la antigua Grecia, las mujeres gozaban prácticamente de todos los derechos que tenían los hombres. Lesbos era uno de estos lugares, sin embargo, en Atenas la situación era totalmente diferente, por lo que Safo comenzó a recibir los primeros descalificativos, ya en vida por parte de muchos sectores de una tierra donde solamente las cortesanas tenían acceso a la cultura y vida social. Esto hace una idea del pensamiento con que Safo fundó su academia. Existieron otras maestras como Safo, en Máximo de Tiro se citan dos educadoras: Andrómeda y Gorgo.

Entre Safo y Alceo, el otro famoso poeta de Lesbos, hubo una especie de competencia entre iguales e intercambiaron poemas y críticas. Los poemas de Safo fueron acogidos con entusiasmo desde la Atigüedad.  A partir de la época Alejandrina se puso de manifiesto el interés por conservar su obra e intentar descubrir nuevas partes. Safo ha sido probablemente la poeta más traducida y más imitada de la antigüedad clásica. A lo largo de siglos, autores como Alceo, Platón,Horacio, Catulo, Teócrito, Petrarca, Leopardi, Byron o Rilke, entre otros, han admirado su obra.  Platón llamó a Safo la Décima Musa.  también recibió el apelativo de Musa Mortal.  (Abajo, Safo por Ferdinand Kronberg, +imagenes )

                             ....

Ella se marchó entre abundantes

lágrimas diciéndome:

"¡Ay, Safo, cuánto sufrimos!

¡Con cuánto pesar te abandono!"

Y yo le contesté:

¡Adiós, y sé feliz! ¡Sólo recuérdame,

pues sabes cuan atada estoy a ti!

Acuérdate al menos

(¡oh, no lo olvides!)

de las amadas y hermosas cosas que vivimos.

De tantas guirnaldas de violetas

y de rosas, y también de azafrán,

. . .con que a mi lado te ceñiste.

De tantos collares tejidos

con dulces flores

que rodeaban tu tierno cuello.

De las muchas veces que con abundante

mirra de flores y de reyes

ungiste tu cabeza de hermoso peinado.

Del blando lecho

en que tú, a mi lado,

dejando que la ternura saliera. . .

Y no hubo colina profana

o sagrada, ni fuentes de aguas

a donde no hayamos ido.

Safo murió segun la tradición, en el año 570 a.C. y en los poemas de su última época, se describe a sí misma como una aciana que goza de una vida tranquila, pobre, en armonía con la naturaleza. 

Su vida sigue envuelta en el misterio pero su esencia y su arte sobreviven en su poesía. Safo fue una creadora pura que fundió los versos con la música e intenó transmitir este arte a través de sus alumnas. 

 "el que ahora sea bueno, después será bello".

(traducción de los poemas de Safo por Carlos Montemayor) 

Ida Haendel: la gran dama del violín

De origen judío, nació el 15 de diciembre de 1928 en Chelm, una ciudad de Polonia. Comenzó a tocar el violín con tres años. A los cuatro se inscribió en el conservatorio de Varsovia. Tres años después, quedó finalista en el concurso internacional de Violin Henryk Wieniawski.

En 1970 se publica su autobiografía "Mujer con violin".

Ha realizado grabaciones de obras de diversos compositores como Beethoven, Brahms, Falla, Grieg, Haendel, Mendelssohn, Paganini, Sarasate, Schubert, Sibelius, Tartini... Y colaborado con directores de la talla de Zubin Metha o Rafael Kubelik.

Toca un violin de 1696 de A. Stradivari y otro de Guarneri.

Ida, interpreta con tanta sencillez y fuerza emotiva que consigue que la música llegue más alla de los sentidos.

Y al verla impresiona... por su increíble facilidad cuando interpreta los pasajes con mayor dificultad tecnica. No muestra tensión ninguna y consigue así lo espectacular: toda la tecnica queda en un segundo plano, Ida ofrece la obra artística en su estado puro sin pretensiones de grandeza más que las de la propia composición.

Os dejo su interpretación de "Aires Gitanos" de Pablo Sarasate. Os recomiendo que la escucheís de principio a fin no os arrepentiréis...

Deliver me: un canto de la Naturaleza

La primera vez que escuché esta canción me emocionó. Será la voz de Sarah Brigthman, será la melodía... hay algo que va más allá de los sentidos... Se trata de un sencillo y a la vez impresionante cantico de la Madre Naturaleza para cada un@ de nosotr@s

Os dejo el vídeo , y la letra de la canción.

(1)

Deliver me, out of my sadness (Liberame, de mi tristeza)

Deliver me, from all of the madness, (Liberame, de toda esta locura)

Deliver me, courage to guide me (Entrégame, valentía para guiarme)

Deliver me, strength from inside me (Entrégame, fuerza interior)

(2)

All of my life I've been in hiding, (Toda mi vida me he estado ocultando),

wishing there was someone just like you (deseando que hubiera alguien just@ como tú)

Now that you're here (Ahora que estás aquí)

Now that I've found you (Ahora que te he encontrado),

I know that you're the one to pull me through (sé que serás la persona que me ayudará a salir)

(3)

Deliver me, loving and caring (Entrégame, amor y cariño)

Deliver me,giving and sharing (Regalame entrega y generosidad)

Deliver me, the cross that I'm bearing (Quitame la cruz que estoy cargando)

Bis(2) (repite parte 2 )